Die Entwicklung und Kunst der Animation

Hintergrund

Animation ist die Kunst, die Illusion von Bewegung zu erzeugen, indem eine Folge von Standbildern in schneller Abfolge präsentiert wird. Der Begriff leitet sich vom lateinischen anima (Leben) und animare (Leben einhauchen) ab. Im Laufe der Geschichte haben Kulturen mit Techniken experimentiert, die den Anschein bewegter Bilder erwecken. Von Höhlenmalereien mit überlappenden Tierbeinen über griechische Basreliefs, ägyptische Grabkunst, mittelalterliche Glasfenster bis hin zu modernen Comics – die fundamentalen Prinzipien der Animation sind seit langem evident.

1640 erfand der Jesuitenmönch Athanasius Kircher eine „Laterna Magica“, die vergrößerte Zeichnungen an eine Wand projizierte. Sein Zeitgenosse Gaspar Schott erweiterte dieses Konzept durch einen kontinuierlichen Bildstreifen – einen Vorläufer des Filmstreifens – der über die Linse der Laterne gezogen werden konnte. Schott verfeinerte das Gerät weiter zu einer rotierenden Scheibe. Ein Jahrhundert später projizierte der niederländische Wissenschaftler Pieter Van Musschenbroek 1736 sequenzielle Zeichnungen von Windmühlenflügeln und erzeugte die Illusion eines sich drehenden Windrads.

Die Laterna Magica wurde schnell zur beliebten Unterhaltungsform. Reisende Vorführer präsentierten sie in europäischen Städten, während Persönlichkeiten wie der in der Schweiz geborene Arzt Peter Mark Roget – bekannt für den Thesaurus of English Words and Phrases – die wissenschaftliche Basis des Nachbildeffekts in seinem Essay „Persistence of Vision with Regard to Moving Objects“ erforschten. Diese Arbeit beeinflusste spätere Erfindungen wie das Thaumatrop, das in den 1820ern von John Paris entwickelt wurde. Das Thaumatrop – eine Scheibe mit kontrastierenden Bildern auf jeder Seite – vermischt beim Drehen die beiden Bilder zu einer einfachen, aber effektiven Animation.

Joseph Plateau, ein belgischer Physiker, führte das Phenakistiskop ein: eine flache Scheibe mit gleichmäßig verteilten Schlitzen und sequenziellen Figuren. Beim Drehen und Betrachten im Spiegel erzeugten die Schlitze die Illusion von Bewegung. Zur gleichen Zeit experimentierte Simon Ritter von Stampfer in Österreich mit Stroboskopen, was schließlich zum Zoetrop führte. Das Zoetrop, erfunden von William Henry Homer, ist eine Trommel mit Schlitzen und einem Papierstreifen mit Zeichnungen innen; das Drehen der Trommel animiert die Bilder.

1845 schuf Baron Franz von Uchatius den ersten Filmprojektor mit bemalten Glasbildern. 1888 führte George Eastman Zelluloidfilm ein – einen lichtempfindlichen Celluloseacetatstreifen –, der die Bildhaltbarkeit und Projektionsqualität drastisch verbesserte. Der erste vollständig animierte Kurzfilm, Humorous Phases of Funny Faces von J. Stuart Blackton, debütierte 1906. Zwei Jahre später veröffentlichte der französische Animator Émile Cohl Fantasmagorie, während Winsor McCay 1911 Gertie the Dinosaur vorstellte. Die 1920er Jahre sahen den Aufstieg bekannter Cartoonisten wie George McManus (Maggie and Jiggs) und Max Fleischer (Betty Boop, Popeye). 1923 begann Walt Disney, Kindergeschichten in animierte Kurzfilme zu adaptieren, was 1928 zum ikonischen Debüt von Mickey Mouse in Steamboat Willie führte. Disneys erster abendfüllender Spielfilm, Schneewittchen und die sieben Zwerge, feierte 1937 Premiere.

Der 1968er Film Yellow Submarine nutzte Pixilation – das Fotografieren lebender Schauspieler in Stop-Motion für surreale Bewegungen. Ralph Bakshis 1978er Adaption von Der Herr der Ringe verwendete Rotoskopieren – das Nachzeichnen von Realfilmbild für Realfilmbild –, um Realismus mit Animation zu verbinden. Ende des 20. Jahrhunderts entstanden digitale Techniken, die in John Lasseters Toy Story 1995 gipfelten – dem ersten Spielfilm, der vollständig mit Computeranimation erstellt wurde.

Rohstoffe

Während Vorstellungskraft die Animation antreibt, sind praktische Werkzeuge essenziell. Animatoren arbeiten typischerweise an einem spezialisierten Animationstisch, der eine Grundplatte mit Registerstiften, eine Kamera, Beleuchtung, Arbeitsfläche und ein Platen (eine klare Glas- oder Plexiglasscheibe) hält, das die Zeichnungen fixiert.

Professionelle Animation wird üblicherweise auf 5-mm-dicken transparenten Acetatfolien – Cels – gezeichnet, ca. 10 x 12 in (25,4 cm × 30,5 cm). Löcher am oberen Rand alignieren mit den Registerstiften für starre Fixierung. Deckende Tinten, Farben, transparente Farbstoffe, Filzstifte, Wachsmalstifte und Lithostifte sind gängige Medien.

Das Fotografieren der Zeichnungen erfordert traditionell 35-mm-Kameras, manchmal werden Super 8 oder 16-mm-Modelle genutzt. Eine Reihe von Objektiven – Standard, Zoom, Tele, Weitwinkel, Fischauge – wird eingesetzt für die gewünschte Perspektive.

Der Herstellungsprozess

Die Produktion eines animierten Kurz- oder Spielfilms ist arbeitsintensiv; ein typischer Kurzfilm enthält ca. 45.000 Frames. Das Rendern einer einzigen Dialogzeile kann 12 Zeichnungen erfordern, um Lippenbewegungen präzise einzufangen.

Die Geschichte wird geschrieben

• 1. Der Autor – oft der Animator – erstellt ein Storyboard: eine Reihe von Einzelbild-Skizzen auf einem Board, jedes begleitet von Dialog- oder Aktionsnotizen. Das Storyboard kann mehrfach durch Zusammenarbeit mit Regisseur und Team überarbeitet werden.

Dialog, Musik und Soundeffekte werden aufgenommen

• 2. Sprecher nehmen Charakterzeilen auf, während Musiker und Sounddesigner Umgebungsgeräusche (z. B. Türenschlagen, Schritte) erfassen. Diese Aufnahmen werden auf Magnetband gespeichert und auf musikalische Takte getimt, ein Prozess bekannt als Mickey Mousing. Moderne Studios nutzen oft optische Tonspuren mit elektronischen Lesegeräten zur Frame-Sound-Synchronisation.

Dialogmaße werden in einen Exposure Sheet eingetragen

• 3. Ein Track Reader misst jeden Vokal und Konsonant und notiert sie auf Exposure Sheets (X-Sheets). Jedes Blatt repräsentiert einen einzelnen Frame, sodass Animatoren Mundbewegungen mit Dialog synchronisieren können. Slugs – stumme Filmsegmente – werden dort eingefügt, wo Action stattfindet.

Modell-Charakterblätter werden erstellt

• 4. Für Konsistenz wird für jeden Charakter ein detailliertes Modellblatt gezeichnet, das Posen, Gesichtsausdrücke und Proportionen zeigt.

Künstler erstellen Layout oder Set-Design

• 5. Layout-Künstler produzieren Lineardrawing, die Animatoren leiten und Hintergrundmaler informieren.

Charakteraktionen werden skizziert

• 6. Mit Modellblättern skizziert der Leitanimator Schlüsselposen – sogenannte „Extreme“ – wie das Anheben des Fußes beim Laufen oder Augenblinzeln. Assistenten füllen die Zwischenbilder (In-betweens) aus. Skizzen werden auf einem von unten beleuchteten transparenten Board gezeichnet; ein zweites Blatt wird oben aufgelegt und leicht variiert, um Bewegung anzuzeigen.

Zeichnungen werden bereinigt und auf Genauigkeit geprüft

• 7. Künstler prüfen Skizzen gegen Modellblätter, verbessern Linien ohne Designänderung. Szenen werden verifiziert, ob alle auf dem Exposure Sheet spezifizierten Aktionen enthalten sind.

Ein Videotest wird durchgeführt

• 8. Eine digitale Wiedergabe der Skizzen stellt flüssige Bewegung und korrekte Gesichtsausdrücke sicher; Anpassungen werden nach Bedarf vorgenommen.

Künstler erstellen Hintergründe

• 9. Hintergrundmaler colorieren Szenen – Landschaften, Innenräume, Gebäude – basierend auf Bleistiftlayouts. Farben werden digital durch Auswahl von Farbtönen aus einer Palette appliziert.

Skizzen werden getuscht und coloriert

• 10. Papierzeichnungen werden via Xerografie oder von Hand auf Cels übertragen. Farben werden auf die Rückseite jedes Cels aufgetragen, typischerweise per Computer. Jedes Cel durchläuft mehrere Qualitätskontrollen.

Die Action wird gefilmt

• 11. Cels und Hintergründe werden gemäß Exposure Sheets fotografiert. Szenen können Stunden dauern. Eine Multiplane-Kamera stapelt Cels über dem Hintergrund, beleuchtet jede Ebene für 3-D-Effekt. Das Filmmaterial wird zu Positiven und Negativen entwickelt.

Der Ton wird gedubbt

• 12. Dialog, Musik und Effekte werden von mehreren Spuren auf eine einzelne balancierte Spur neu aufgenommen. Eine Sekundärspur mit Dialog und Musik erleichtert fremdsprachige Übersetzung.

Dubbing-Spur und Print werden kombiniert

• 13. Der finale Audiospur wird mit dem visuellen Print vereint, was einen „verheirateten“ Film erzeugt. Für TV-Veröffentlichung werden Negativ und Audio an ein Postproduktionshaus für Videoband-Transfer geschickt.

Ausblick

Computer-generierte Animation hat sich seit den 1990ern dramatisch weiterentwickelt. Während einige Puristen diesen Wandel ablehnen, ist die Persistenz der Cel-Animation ungewiss. Gleichzeitig hat sich japanisches Anime weiterentwickelt, bietet reich detailierte Handlungsstränge, realistische Charaktere und dynamische Kamerawinkel, die die Zuschauerimmersion vertiefen.